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miércoles, agosto 13, 2008
Cuentan en la excepcional serie de documentales de Ken Burns que una noche el siempre inquieto John Hammond, aburrido y cansado de escuchar la misma música de siempre, salió de un ballroom y se metió en su coche. Seguidamente sintonizó en el dial una emisora de Kansas City, en la cual escuchó algo que le dejó perplejo. Una banda de Swing que sonaba distinta a todo lo que había escuchado antes. Era Count Basie. Como es bien sabido, el Jazz nació en New Orleans, Chicago se convirtió poco después en la capital de ese nuevo tipo de música, sobre todo cuando Armstrong se marchó de la ciudad más grande de Louisiana para reunirse con su mentor e ídolo King Olivier en la denominada “Ciudad del Viento”, y más tarde Nueva York acogió en su seno a todas las Big Bands que pretendían ser más o menos importantes. Pero, ¿Kansas City? Count Basie no era, claro está, el único músico en la escena de esa ciudad, pero sí era el mejor, y lo que fue más importante para Hammond, no era un previsible y redundante grupo de jazzmen siguiendo las pautas de todo lo que se había inventado años atrás.
Hammond no se lo pensó un momento y se fue a Kansas City para conocer a Basie, y quedó tan encantado que se decidió a hacer una estrella de él, y se lo presentó a toda la gente influyente de la prensa y de sellos discográficos. Count Basie abandonó Kansas City, actuando en ciudades como Chicago, Boston y Nueva York.
Lo que encontramos en esta caja son las grabaciones que realizó para la Decca entre 1937 y 1939, y recopila 63 clásicos, en los que se puede apreciar perfectamente lo que Hammond entendió por ‘diferente’. Durante esos tres años, Basie también grabó para Columbia, pero casi todos los temas legendarios, y que interpretaría hasta su muerte en 1984, están aquí: “Jumpin’ at the Woodside”, “One O’Clock Jump”, “Blue and Sentimental”, y memorables versiones de Standards americanos compuestos por Gershwin, Porter, Rodgers & Hart…
Por otro lado, nada podía fallar teniendo en cuenta los músicos que formaban parte de la orquesta de Basie: el batería Jo Jones, el trompetista Buck Clayton, el propio Count al piano, y por supuesto, Lester Young marcando diferencias tocando su saxofón como nadie lo había hecho desde la partida de Coleman Hawkins de la banda de Fletcher Henderson. Lester compaginó su trabajo en la banda de Basie con sus colaboraciones en el pequeño grupo de músicos que Hammond preparó para acompañar a Billie Holiday, tal y como comentabamos en la reseña del anterior disco.
Sólo Count Basie y Duke Ellington fueron capaces de seguir girando por Estados Unidos una vez que el Swing dejó de hacerse popular. A finales de la Segunda Guerra Mundial, nadie iba a los lujosos salones de Nueva York a bailar con el frenético ritmo que había definido los años 30. América se había convertido en la primera potencia económica, la gente no necesitaba evadirse de la depresión económica ni del racionamiento impuesto durante la guerra, y cientos de bandas de Swing se quedaron sin trabajo. El enemigo también estaba en casa, y el be-bop causaría estragos en el jazz más clásico. Pero Count y Duke demostraron ser los más perdurables, y sin duda, los mejores.(Copiado de aquí)
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sábado, agosto 09, 2008
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lunes, julio 28, 2008
A look at the dates and the label easily give the story away, for on this single disc, you are going to hear the formative Coltrane when he was still working for Miles Davis and Thelonious Monk, not the spiritual visionary of the 1960s. Nevertheless, there are plenty of indications of what was to come in these sessions, as distilled from the massive 16-CD Prestige Recordings box. To cite just one of many examples where Coltrane seems to be leaving his sidemen and the era behind, on "Come Rain or Come Shine," Coltrane's sheets of sound are already blazing, while the rest of the expert rhythm section and trumpeter Donald Byrd seem stuck in the 1950s. Trane also rips up-tempo into as unlikely a vehicle as Irving Berlin's "Russian Lullaby," and the alternating Latin and straight-ahead grooves of the rhythm section in "Bahia" play as foils to the increasingly outside flurries of the restless leader. The gentle side of Coltrane took shape in the 1950s as well; that wonderfully majestic yet compassionate tone can be felt in the ballad "Theme for Ernie." Coltrane is also heard as a sideman on albums by Mal Waldron ("The Way You Look Tonight"), Tadd Dameron in a rare quartet setting ("On a Misty Night"); Trane sounds more clearly his own man in the latter than the former, though the recording date is earlier. There's no work with Miles here; you can find some of that on the Best of Miles Davis volume in this series. And there is no attempt at putting things in chronological order, in the service of better pacing. For those unable, or unwilling, to invest in the big box, this single disc will do fine as a stopgap.
Richard S. Ginell, All Music Guide
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jueves, julio 24, 2008
Las melodías más reconocibles del mundo del jazz aparecen en esta selección de temas, muchos de ellos tomados de actuaciones en directo. Un par de piezas pianísticas de George Gershwin y Scott Joplin, y toda una gama de primeras figuras del jazz que va desde la Original Dixieland Jass Band a John Coltrane.
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miércoles, julio 23, 2008
"El placer que les produce hacer jazz a los miembros de la Fénix - y que ellos saben contagiar a su público - sigue siendo el rasgo que impone animación y sostenida variedad a sus interpretaciones. Y salta a la vista en esta suerte de sintético resumen de la historia musical del conjunto, que lleva veinte años reviviendo con rara espontaneidad el espíritu de Nueva Orléans en sus clásicos encuentros sabatinos de La Bodega del Tortoni, en el Sacramento Dixieland Jubilee ´93, o en los numerosos escenarios de sus giras frecuentes.
Como buena selección "The Best of the Fenix Jazz Band" (producida precisamente para celebrar sus dos décadas de labor y su presencia en Sacramento, el registro contiene grabaciones realizadas en vivo en Santa Mónica, California; en Scotsdale, Arizona; en el Santa Rosa Jazz Festival, y por supuesto, también en el reducto de Av. De Mayo, además de algunas versiones de estudio editadas en discos anteriores. Es un fiel retrato cuyo convite a la diversión resulta, sin duda, irresistible."
(Fernando López - Diario La Nación 10 de agosto de 1993)
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martes, julio 22, 2008
Arthur Blythe, nació en Los Ángeles, California, y de pequeño, le pide a su madre tocar el trombón, pero ella, admiradora de los saxofonistas, Johnny Hodges, Earl Bostica y Tab Smith, le proporciona un saxo alto. Estudia el instrumento en San Diego con distintos profesores, entre ellos David Jackson, quien formaba parte del grupo de Ray Charles. Toca en la orquesta estudiantil y se aficiona a la música popular (rock and roll, country y gospel) sin que por ello decaiga su admiración por los saxofonistas de su infancia, principalmente, Benny Carter. Participa en distintos grupos, ya sea en formato de pequeñas formaciones como en grandes orquestas.
Entre 1967 a 1973 participa en el "Black Music Infinity" del baterista, Stanley Crouch. Su encuentro allí, con otro saxofonista, Azar Lawrence, será determinante. Con él graba "Bridge Into The New Age". A partir de 1974 toca en Nueva York, con el cantante Leon Thomas en la "Energy Band" del trompetista Ted Daniel, junto a Julius Hemphill y con el baterista Chico Hamilton, que le llevó durante un brevísimo período hacia un área cercana al jazz-rock.
En 1979, funda su propio grupo al que denomina: "In The Tradition". Con su formación, trabajó además, con la mayor parte de los exponentes de la vanguardia neoyorquina. Desde entonces, aquel cuyas preocupaciones estéticas le han valido el apodo de "Black Arthur" se ha cruzado con algunos de los nombres mas encumbrados del jazz contemporáneo (Lester Bowie, Evans; Jack DeJohnette, Sunny Murray, etc.).
Instrumentista bien dotado técnicamente, Blythe representa un caso particular y profundamente interesante en el panorama contemporáneo de la música improvisada. Aunque su fraseo es esencialmente moderno y deriva de John Coltrane y Eric Dolphy, en realidad su sonoridad, así como ciertas particularidades estilísticas, parecen dirigirse hacia una cuidadosa recuperación de la tradición de los artistas negros americanos: Johnny Hodges, Benny Carter, etc.
Arthur Blythe, no sólo reivindica el legado de las múltiples corrientes de la música negra sino que parece querer reunificarlas a través de su instrumento.
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domingo, julio 20, 2008
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domingo, julio 20, 2008
Nostalgia 77 es el nombre artístico del británico Benedic Lamdin. Es uno de los grandes del nu-jazz, porque suyos son algunos de los álbumes de referencia para los amantes del estilo, pero dado el giro que ha dado su música, hay que empezar a considerarle como un jazzmen, un compositor y arreglista de jazz, estilo en el que es muy posible que también llegue a ser uno de los más destacados. En sus inicios se identificó con el movimiento nu-funk, produciendo electro-funk para las pistas, sus primeros trabajos propusieron un personal nu-jazz downtempo, pero desde el 2006 parece haber abandonado definitivamente la electrónica para centrarse en el jazz acústico, deudor del jazz británico de los 60 y del free-jazz y jazz modal estadounidense. Es, por tanto, un artista en continua evolución, que sorprende una y otra vez con cada nuevo trabajo, pero que siempre resulta interesante o deslumbrante. Sin duda, uno de los artistas más recomendables para los amantes de la música negra.
Debutó en Septiembre del 2002 con el vinilo de 7 pulgadas Brother, editado por Tru Thoughts, el sello que ha sacado al mercado todas sus referencias. En el 2004 llegó su primer larga duración, Songs for my funeral, un clásico imperecedero que le destapó como un nuevo talento. Su segundo álbum, The garden, se editó en Marzo del 2005, y en el 2006 aparecieron dos novedades: Seven’s & eight’s, grabado en directo en el club londinense The Jazz Cafe, y Borderlands, ambos grabados con el Nostalgia 77 Octet. Este último ganó el premio al mejor disco de jazz en los Worldwide Awards del 2006, el premio que otorga Gilles Peterson, elegido por los oyentes de su programa de radio. Meses después, en Marzo del 2007, se edita Everything under the sun y, a finales del año, Weapons of jazz destruction. En Marzo del 2008 Tru Thoughts edita el doble CD One offs, remixes & b-sides. Además, forma parte del dúo The Broken Keys, junto a Natural Self.
Mario Biondi es un vocalista italiano (de Catania, Sicilia) que, simplemente escuchándolo, da la sensación de ser un cantante estadounidense, negro, de más de cincuenta años, y que acaba de atravesar el tunel del tiempo, como si viniera de las décadas de los 60 o 70. Su voz cálida y penetrante, preñada de soul, recuerda a la de los grandes del género, y quizá eso tenga mucho que ver (además de por lo buena que ha sido la genética con él), con el hecho de que, en calidad de amante de r&b y del soul, haya siempre escuchado a artistas como Earth Wind & Fire, Donny Hattaway, Billy Paul, Luther Vandross, Lou Rawls, Aretha Franklin, Eryka Badu o Will Dowing, entre otros. Sin duda, es una de las más gratas sorpresas de los últimos años en lo que a vocalistas se refiere, y además está en uno de los mejores sellos a la hora de desarrollar la carrera de cantantes, el italiano Schema Records, que ya ha encumbrado, por ejemplo, a Rosalia De Souza, poniendo a su disposición los mejores productores, compositores y músicos. Lo mismo debería ocurrir en el caso de Mario Biondi, cuya voz, además, seguramente, figurará en más de un álbum como invitado especial.
La primera aparición del cantante en el sello Schema Records se produjo en el EP This is what you are – On a clear day (2004), la única referencia hasta el momento del proyecto de Alessandro Magnanini, Was A Bee, concretamente en el tema This Is What You Are, uno de los cortes de nu-jazz más destacados, y que fue un éxito en Italia y el Reino Unido. A finales del 2006 se edita, en Italia, su álbum debut, Handful of soul, que llega a las tiendas del resto del mundo a principios del 2007. Se trata de un trabajo entre jazz y soul, que ha sido grabado con el High Five Quintet (firmado como Mario Biondi & The High Five Quintet), una formación compuesta por el trompetista Fabrizio Bosso (Django d’Or en el 2002 y Top Jazz 1999), el saxofonista tenor Daniele Scannapieco (Django d’Or en el 2003), conocido por sus colaboraciones con Dee Dee Bridgewater y Henri Salvador, el pianista Luca Mannutza, el contrabajista Pietro Ciancaglini y el batería Lorenzo Tucci. Los arreglos, en cambio, los firman sólo Luca Mannutza y Pietro Ciancaglini, aunque incluye producciones de Alessandro Magnanini y de Marco Bianchi (integrante de los grupos Paolo Fredreghini & Marco Bianchi, The Invisible Session y Paul & Mark, ). Como anticipo, el mismo años salió a la venta el single Rio De Janeiro blue. Ya en el 2007, en Diciembre, se edita I love you more live, un álbum grabado en directo en el que vuelven a colaborar Mario Biondi y el High Five Quintet, sólo que, al participar también la Duke Orchestra, está firmado como Mario Biondi and Duke Orchestra.
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miércoles, julio 16, 2008
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